Gabriel Vanrell-Galeria d'Art

Manolo Valdés

Manolo Valdés es un pintor y escultor valenciano. En 1957 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos. Ya en los primeros trabajos ejecutados, el joven Valdés demostró una capacidad creadora y una habilidad técnico-formal fuera de lo habitual. En 1962 presentó un conjunto de obras en ese estilo en la Galería Nebli de Madrid, en la que supuso su primera exposición individual.

Asimismo, a principios de los años sesenta, Valdés, junto con los artistas Gorris, Juan Antonio Toledo y Rafael Solbes, entre otros, y el historiador del arte Tomás Llorens, constituyó el grupo Estampa Popular de Valencia. Para ellos, las nuevas expresiones artísticas, debían tomar en consideración el lenguaje y los recursos visuales procedentes de los medios de comunicación de masas.

En 1964 Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo se escindieron de Estampa Popular y formaron el Equipo Crónica. Un año después Toledo abandonaría el proyecto y éste quedaría, hasta la muerte de Solbes, en 1981, en manos de los dos primeros. El Equipo Crónica, surgió como una crítica al individualismo y a la imagen romántica del artista genio. De ahí la idea de disolver la personalidad de los artistas bajo un nombre colectivo y, a la vez, anónimo.

Desde el primer momento el Equipo Crónica consideró que las imágenes, ya provenientes de la alta cultura ya de la cultura de masas, eran esencialmente un vehículo comunicativo. Para ambos artistas, una imagen procedente del cine, el cómic o las revistas ilustradas tenía idéntico valor que una reproducción gráfica de una pintura de Velázquez, Van Gogh o Picasso.

En 1981, cuando estaban trabajando en la que a la postre sería su última serie, Lo público y lo privado, falleció Rafael Solbes. Manolo Valdés decidió por tanto emprender camino en solitario.

La primera exposición fue en la Galería Maeght de Barcelona en 1982. Presentó un conjunto de pinturas y esculturas en las que había reelaborado, sirviéndose de distintos lenguajes vanguardistas, el famoso Retrato de la reina Mariana de Austria de Velázquez. En una línea parecida a la del Equipo Crónica, esa mezcla de motivos y estilos dispares daba lugar a una Mariana transmutada, a una Mariana que rebasaba los referentes historicistas para convertirse en un homenaje al propio quehacer artístico.

A lo largo de los años ochenta fue incorporando un nuevo sentido del tratamiento pictórico que lo alejó de su etapa en el Equipo Crónica.  Sus trabajos se acercaron técnicamente a los de pintores informalistas como Millares, Tàpies, Burri o Dubuffet. También en esos mismos años, la escultura fue ocupando un papel cada vez más relevante dentro de su producción.

En 1989, se trasladó junto con su familia a Nueva York, ciudad en la que ha seguido viviendo y trabajando desde entonces. Continuó con esa línea de trabajo basada en la asimilación y reelaboración de objetos y de obras de arte. Entre octubre de 2002 y enero de 2003, el Museo Guggenheim Bilbao le dedicó una importante retrospectiva.

Miró

Joan Miró i Ferrà pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en la cultura y tradiciones de Cataluña.

Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naif, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.

En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.

Gustavo

Gustavo Peñalver Vico artista nacido en Cartagena. En 1946, su familia fija su residencia en Mallorca. Entre 1958 y 1962, se formó artísticamente en Palma y Barcelona. En 1963 hizo en Palma su primera exposición individual. Este mismo año, continuó con su formación en París. Desde 1964 a 1968 vivió y trabajó en Bruselas y expuso por primera vez en el extranjero, en Amberes.

Desde estas primeras etapas, el artista se decantó por un lenguaje poético que, con ligeros cambios, marcaría la trayectoria de su obra. Entonces ya plasmaba escenas costumbristas tratadas con una mezcla de ingenuidad e ironía. El color fue y sigue siendo un punto fuerte en su pintura. Unos contrastes muy marcados configuran los planos y dan forma a unos personajes siempre esquemáticos y vigorosos. En aquellos momentos, se dan también paisajes urbanos, fruto de su estancia en Bélgica. Las casas y calles son construidas mediante pinceladas cortas y con una gran riqueza cromática. Esta etapa tuvo continuidad en Mallorca, a la cual volvió en 1969, y donde pintó un gran número de pueblos de la isla. Mediante el tratamiento del óleo, los paisajes se dibujan, se hacen borrosos, y los colores se vuelven claros y luminosos.

Poco a poco abandonó el paisaje para dedicarse a la pintura de un mundo nutrido por la imaginación. En el siguiente paso, a principios de los años setenta, incide en la crítica social y política, aunque encontramos siempre un punto lúdico y optimista que, a partir de esos momentos, será una constante en su obra.

En 1976, empiezan sus relaciones internacionales, sobretodo con Alemania, país en el cual se establecerá durante muchos años. Van desapareciendo los personajes reales, las imágenes se multiplican, planteando situaciones imaginarias, en una especie de laberinto psicológico cercano a la psicodelia. En esta época introduce imágenes religiosas en su iconografía.

Progresivamente, lo que observa el artista y lo que imagina se unen en un universo poblado de extraños personajes en movimiento. Las formas se simplifican, se eliminan los detalles y se potencian las líneas esenciales que dan ritmo a la obra. Utilizando la técnica de tintas planas y los colores puros, la pintura se torna más nítida, más esquemática. En muchas ocasiones, los objetos, animales y personajes adoptan posturas similares, en una transmutación de su naturaleza. La ironía, el juego, e incluso, la farsa, todo dentro de un ambiente festivo y surrealista, caracterizan su última etapa.

Cultiva también, la escultura en bronce o madera pintada, como desarrollo de los personajes de su pintura. Además, tiene una producción abundante de obra gráfica, incidiendo especialmente en el grabado.

Desde 1995 GUSTAVO vive y trabaja en su estudio de Son Turó entre Capdepera y Cala Ratjada en Mallorca. Su arte es vida, alegría, entusiasmo y luz.

Emilia Castañeda

Emilia Castañeda Martínez, es una pintora e ilustradora española. Nació en Madrid, aunque se trasladó a Barcelona con su familia siendo muy niña. Su formación comenzó en 1956 en la academia del pintor Víctor Esteban Ripaux y en las escuelas Llotja en 1959 y Massana en 1969. A comienzos de la década de los 70 concluyó su formación y se dedicó por completo a la pintura desde entonces.

Ha participado en numerosas exhibiciones desde entonces. Desde sus comienzos la obra de Emilia Castañeda se desenvuelve con una invariable coherencia temática y técnica. Trabaja principalmente con pintura al óleo, pastel y acuarela. Su temática se centra en la figura desnuda, entre otros temas figurativos. Sus cuadros, habitados por desnudos o por parejas fundidas en amoroso abrazo, podrían definirse como “atmosferas eróticas”, ambientes íntimos de apariencia irreal, con profusión de veladuras y matices configurando un aire envolvente y cálido. Un marco adecuado para la expresión de cierta espiritualidad de lo carnal, que aproxima sus obras con la escuela simbolista francesa y con la de pintores modernistas como Gustav Klimt o Anglada Camarasa.

Fernando Suárez

Fernando Suárez Reguera es un escultor enormemente versátil. Su formación y su incansable capacidad creativa le permiten transitar por diferentes caminos. Trabaja con el hierro y el bronce, pero sorprenden los recursos de los que se sirve para diversificar su producción, al investigar con materiales como por ejemplo la resina, con una singular obsesión por el movimiento y la ingravidez.

Le interesa ante todo el ser humano. Utiliza un modelo de hombre fuerte, recio. Hombre activo, sometido a pruebas que debe superar, que salta, corre, lucha o se balancea, en un continuo juego de equilibrios. Suárez posee una inusual maestría para captar el gesto, el instante preciso.

Además estudia al individuo como creador, como ser que transforma su entorno. Surgen así puentes, arquitecturas y edificios. Toda una vertiente constructiva y estructural que le permite explorar nuevas y ricas posibilidades plásticas.