Gabriel Vanrell-Galeria d'Art

Tarrassó

Casimiro Martínez Tarrassó, pintor conocido simplemente como Tarrassó. Se formó en la Escuela de La Llotja de Barcelona. Completó sus estudios en París, donde pudo conocer de primera mano las obras fauvistas que sacudían el ambiente artístico parisino en ese momento. Esta influencia fauve seguirá siendo palpable en su obra a lo largo de toda su vida en rasgos como el fuerte contraste cromático, la perspectiva elevada y un tanto exagerada, el absoluto desinterés por la figura humana, que aparece sólo bosquejada como complemento al paisaje, y la representación de árboles como electrizados, sometidos a tortuosas inclinaciones.

Son estos rasgos formales que imprimen a sus obras una vitalidad propia y reducen su conexión con lo referencial a simple pretexto. Tarrassó siguió la estela de los grandes paisajistas catalanes, fijándose sobre todo en Joaquín Mir, aunque con una personalidad claramente diferenciada debida en parte al impacto que el fauvismo tuvo en su pensamiento artístico. Cultivó el bodegón y los paisajes catalanes y mallorquines. Realizó su primera exposición en 1928 en Barcelona. Desde entonces se sucedieron sus muestras en Barcelona, Madrid, Palma de Mallorca y Bilbao. En 1935 visita Mallorca por primera vez, y a partir de 1940 contará con un estudio allí, concretamente en Palma, donde vivió largas temporadas y desarrolló la mayor parte de su producción artística.

Tras la Guerra Civil, durante los años cuarenta, Tarrassó tomó parte en varias Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, en sus ediciones de 1942, 1943 y 1950.

Aunque el paisaje fue siempre el centro de su producción, Tarrassó realizó también obras como la decoración mural de la iglesia de Santa María de Badalona. En Mallorca realizó asimismo una singular empresa, plantando su caballete en las cuevas de Campanet para captar las estalactitas y estalagmitas de sus cavidades pétreas, desarrollando una serie de obras que presentó en 1948.

A lo largo de su carrera Tarrassó fue distinguido con el Premio Pollença del I Certamen Internacional de Pintura, en 1962; el Santiago Rusiñol en 1972; y las medallas obtenidas en diversas ediciones de los Salones de Otoño de Palma de Mallorca: primera en 1967 y 1973, y de honor en 1970. La obra de Tarrassó se caracteriza por la gran personalidad de su colorido. Su obsesión por el cromatismo determina una pintura profundamente sensorial, vitalista e intuitiva. En muchas de sus obras, el pintor se centra ante todo en plasmar una imagen que escenifique la plenitud de la vida recreada y sin solución de continuidad, preocupándose más por ello que por las exigencias de la composición.

Ulbricht

John Ulbricht. Vive en La Habana los primeros cinco años de su vida. En 1930, el padre. Entre 1946 y 1950 estudia en el Instituto de Arte de Chicago, donde conoce Angela von Neumann, se casan y 1950 se van a México donde estudia, pinta y hace la primera exposición individual. Entre 1952 y 1954 es director asistente del Museo de Arte de Denver (Colorado, EE.UU.). En 1956 fija su residencia en Mallorca. Primero, se instala la en Deià y, después, en Galilea (Puigpunyent, Mallorca).

Su trayectoria como pintor se divide en tres etapas:

 Primera etapa: la abstracción expresionista (1950-1963)

En este periodo inicial trabaja la abstracción expresionista con telas de sólida estructura compositiva, texturas sugerentes y formas armónicas y bien distribuidas en conjuntos compensados y equilibrados.

Segunda etapa: las grandes naturalezas muertas (1964-1984)

A partir del 1963, el pintor trabaja formas concretas correspondientes a objetos cotidianos y sencillos, que representa con unas medidas mucho mayores que las reales. Este hecho les confiere, al mismo tiempo, elementos de misterio, interrogación y grandeza. Las obras se presentan dotadas de una atmósfera que suscita sensaciones de proximidad y de un intimismo que se ve subrayado por el carácter perecedero y efímero de los objetos representados. Son campos desiertos y desolados, sin la presencia del hombre y del ganado doméstico, sin casas ni otras construcciones y sin cultivar. No faltan los olivos de cepas gruesas y de formas inverosímiles, casi fantasmagóricas.

Tercera etapa: paisajes del Paraíso (1985 a 2006).

El protagonismo arrollador de los objetos sencillos y cotidianos da paso gradualmente a la creación de paisajes de la Sierra de Tramuntana. Empieza con árboles azotados por el viento, esbrancats y tristes, rodeados de una garriga de verdes austeros. Añade ramas acariciadas por flores silvestres, frutas u hojas de otoño. Seguir a paisajes poblados de flores (margaritas, lirios, amapolas, etc.) acompañadas de trébol, hierba de prado o pastos.  La reiteración del tema y el trabajo de taller llevan el pintor a idealizar los paisajes cada vez más ya dotarlos de formas y dimensiones fantasiosas, que convierten las visiones del campo en representaciones de un paraíso inmenso y luminoso.

A lo largo de la carrera sobresale en buen retratista. Le gusta hacer retratos de gran formato, vistos con encuadres de primeros planos, casi cinematográficos, trabajados con una técnica de apariencia puntillista e interpretados con gran sobriedad.

Emilia Castañeda

Emilia Castañeda Martínez, es una pintora e ilustradora española. Nació en Madrid, aunque se trasladó a Barcelona con su familia siendo muy niña. Su formación comenzó en 1956 en la academia del pintor Víctor Esteban Ripaux y en las escuelas Llotja en 1959 y Massana en 1969. A comienzos de la década de los 70 concluyó su formación y se dedicó por completo a la pintura desde entonces.

Ha participado en numerosas exhibiciones desde entonces. Desde sus comienzos la obra de Emilia Castañeda se desenvuelve con una invariable coherencia temática y técnica. Trabaja principalmente con pintura al óleo, pastel y acuarela. Su temática se centra en la figura desnuda, entre otros temas figurativos. Sus cuadros, habitados por desnudos o por parejas fundidas en amoroso abrazo, podrían definirse como “atmosferas eróticas”, ambientes íntimos de apariencia irreal, con profusión de veladuras y matices configurando un aire envolvente y cálido. Un marco adecuado para la expresión de cierta espiritualidad de lo carnal, que aproxima sus obras con la escuela simbolista francesa y con la de pintores modernistas como Gustav Klimt o Anglada Camarasa.

Mateu Llobera

Mateu Llobera empezó a pintar a la acuarela en 1949. Participó en la creación del Grupo de Acuarelistas de Baleares. Finalmente, se dedicó ya por completo al óleo, exponiendo periódicamente en el Círculo de Bellas Artes de Palma, así como en las salas más prestigiosas de Mallorca. También expuso en diferentes capitales españolas y en el extranjero.

Se trata de uno de los pintores más representativos de una escuela de pintura que se conoce como "Escuela Pollensina" en la zona nort-este de Mallorca. Lugar de residencia para muchos artistas post impresionistas catalanes venidos de la península con los que Mateu Llobera entabló una sincera amistad artística junto a Dionis Bennassar. Es el último artista en vida de una generación excepcional post impresionista del siglo XX.

En su pintura, muy personal tanto por su colorido como por su ambiente, confluyen las influencias de la anteriormente citada Escuela pollensina y la agresividad y gestualización formal de los expresionistas alemanes, en especial donde la figura se erige como protagonista. Así su obra resuelve en grandes manchas de color, dentro de lo que podríamos denominar un postimpresionismo que recoge los ya citados elementos expresionistas.

Miró

Joan Miró i Ferrà pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en la cultura y tradiciones de Cataluña.

Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naif, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.

En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.